CHERI SAMBA

Le sida ne sera guérissable que dans 10 ou 20 ans

1997

Samba (Kinto M’Vuila, Congo, 1956) abandonó sus estudios y su lugar de nacimiento a los 16 años para dedicarse a la vida artística en Kinshasa, la capital de la República Democrática del Congo. Al darse cuenta del desinterés de las personas por sus cuadros, comenzó a incluir textos (en Francés y en Lingala) en sus obras para obligar a su publico a interesarse por estas y así hacer que las admiraran. Y precisamente esto es lo que Samba ha logrado con sus cuadros llenos de color y contenido, es imposible pasar por alto una obra del artista y no sentir fascinación por la firmeza de sus personajes y sus expresiones, cada trazo tiene un sentido de familiaridad, incluso sus portaretratos nos dicen algo. Las frases dentro de sus obras son a menudo contradictorias y paradójicas por lo que los críticos en Kinshasa nunca las han aceptado por asemejarlas a una forma muy occidentalizada de pintura. Pero su trabajo atañe a la vida de las personas, no se trata de mitos o creencias, Samba trata de reflejar la conciencia humana y trata de hacer pensar a sus espectadores. Por lo tanto su pintura se caracteriza por la realidad social de Zaire en relación a su existencia como artista. Sus temas son lo cotidiano, la sexualidad, las emfermedades, la iniqualdad social, la corrupción, entre otros. Este artista es uno de los fundadores principales de la escuela referida como "popular zairean". Sus obras han sido incluídas en el Centre Georges Pompidou en París y en Museum of Modern Art de Nueva York.

Bienal de Venecia 2007 http://www.theartstrust.com/article4_venice_biennale.aspx

Africa Remix www.universes-in-universe.de/specials/africa-remix/samba/espanol.htm
J'aime Cheri Samba http://www%20.onoci.net/cartier/samba/

Chéri Samba http://www.designboom.com/portrait/samba.html

YUMIKO KAYUKAWA

Kayukawa (Hokkaido, Japón) se caracteriza por pinturas en las que yuxtapone elementos japoneses tradicionales (mangas, kanjis y elementos flotantes al estilo ukiyo-e) y elementos norteamericanos modernos (arte pop). Su inspiración surge de la belleza natural de sus alrededores y su cercanía a los animales nativos de Hokkaido, así mismo influye en su trabajo el contacto con la cultura pop americana, la música, el cine y la moda. Las obras de Kayukawa combinan ilustraciones para diseños de moda, gráficos variados y flora y fauna meticulosamente ordenados para crear imágenes que evocan un tono erótico, enigmático y de ensueño. Dentro de los artistas contemporáneos japoneses es una de las mas reconocidas internacionalmente, su ultima exhibición titulada World Wide Enemy será presentada en Agosto del 2007 en The Shooting Gallery en San Francisco, California. "The Wild Kingdom of Yumiko Kayukawa" es un portafolio que presenta su estilo pictórico, abarcándo el periodo del año 2001 al 2005 y que está organizado por tipos de animales y no cronológicamente, así mismo discute temas variados como la inocencia, la seducción y la juxtaposición de los iconos de la cultura tradicional japonesa con los iconos de la cultura pop americana.

YUMIKO KAYUKAWA http://www.sweetyumiko.com/
THE SHOOTING GALLERY http://www.shootinggallerysf.com/yumikopage.html 9mm BOOKS http://www.9mmbooks.com/Events/Yumiko/YKEvents.htm

MOMOYO TORIMITSU

Somehow I don’t feel comfortable

Globo inflable

5 metros de alto

2000

Torimistu (Tokyo, Japón, 1967) es una artista que se ha caracterizado por sus instalaciones y performance. Estudio en la Tama Art University de Tokyo hasta 1994 y luego obtuvo una resisdencia en el P.S.1 Museum de Nueva York. Para una exhibición en esa misma ciudad titulada "Somehow I don't feel comfortable" (2000) presentó un conejo gigante como burla de la obsesión japonesa por lo delicado y bonito. Recientemente, su trabajo fue exhibido en el Mori Art Museum de Roppongi, una instalación titulada "Horizons" (2004) en la que 100 GI Joes con caras americanas, japonesas y europeas aparecen vistiendo trajes de gala y arrastrándose sobre un mapa del mundo (sus cabezas se desprenden, pierden sus manos y piernas, se desgastan las baterías; es como si fuera una guerra contra la globalización). Otra instalación titulada Danchizuma-Endless Sunrise opera como retrato y diorama, es una vista macro-artificial de una ciudad-cama japonesa que existe en las penumbras de Tokyo y que combina fotografías de sus habitantes. Aquí la artista examina el urbanismo de Japón y la vida de Danchizuma (palabra que significa aproximadamente ama de casa pero que no tiene traducción al español), se trata de la esposa cuyo lugar en la sociedad es ignorado. Probablemente el primer trabajo que enalteció a la artista internacionalmente fue su performance "Miyaya-san in action" (1996) que puede traducirse como hombre de trabajo o empleado, es un robot diseñado por Torimitsu para arrastrase por las ciudades de Tokyo, París y Nueva York en su traje de trabajo, mientras que la propia artista lo asiste vestida de enfermera.

SMART PROJECT SPACE http://www.smartprojectspace.net/artists/90.xml

ABSOLUTE ARTS http://www.absolutearts.com/artsnews/2004/01/14/31713.html

TORIMITSU RADICAL INSTALLATION http://www.tokyomango.com/tokyo_mango/2007/02/momoyo_torimits.html

Galerie Xippas http://www.xippas.com/en/artist/momoyo_torimitsu/works

MARLENE DUMAS

The Supermodel

Acuarela sobre papel

1995

Dumas (Cape Town, Sur Africa, 1953) es una artista que combina elementos del expresionismo y el arte conceptual con piezas en tinta, acuarelas y óleos. Estudio en la Universidad de Cape Town de 1972 a 1975. El propósito de su trabajo es mostrar la relación existente entre el arte, los modelos femeninos y la pornografía a partir de fotografías polaroids de sus amigos y amantes. Ha realizado retratos de niños además de escenas eróticas para impactar al mundo del arte contemporáneo. Las imágenes femeninas que representa son derivadas de los medios de comunicación, explorando los limites del erotismo y de la representación del deseo. Raramente utiliza modelos, capta sus imágenes de los medios de comunicación de masas y de fuentes de la cultura popular, particularmente de los periódicos y la televisión. Sus pinturas impresionan por su realismo urgente, extrañamente manipulado. Su interés como artista es provocar preguntas sobre el genero masculino y femenino, sobre la belleza, la hipocresía sexual, la opresión, la violencia sexual y racial y la situación de las mujeres. En otras palabras, los temas centrales en la obra de Dumas es la sexualidad, el racismo y la religión, y especialmente todo lo que constituye un tabú en relación con estos asuntos, que representa con brutal honestidad a través de una pincelada inmensamente expresiva. Del 14 de abril al 1 de julio de 2007, en el Museum of Contemporary Art de Tokyo se presentaron 250 de sus trabajos (los cuales trazan toda su trayectoria artística), llamados "Broken White" que posteriormente, en 2008, viajarán a Estados Unidos, donde serán expuestos en el MOCA de Los Ángeles y en el MoMA de Nueva York. Una de las piezas que da nombre a la misma: Broken White es una de sus últimas pinturas, inspirada en una fotografía del mismo título del japonés Nobuyoshi Araki, que también se encuentra en la exhibición, así como un dibujo de Ukiyo-e, realizado por Yoshitoshi Tsukioka. Aunque reside en Holanda desde 1976, la influencia de la cultura africana, su país natal, y también la japonesa pesan mucho en la obra de Dumas, que incorpora frecuentes referencias a ambas.

Saatchi Gallery http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/marlene_dumas_about.htm
Marlene Dumas: Images and Words http://www.postmedia.net/dumas/dumas.htm

Africa Remix http://www.universes-in-universe.de/specials/africa-remix/dumas/espanol.htm
ARTPREMIUM http://www.artpremium.com/Content/ed12/dumas.asp
New Museum http://www.newmuseum.org/more_exh_m_dumas.php
New York Times http://www.nytimes.com/2005/03/27/arts/design/27kino.html?ex=1269579600&en=6f599eaf9b33a266&ei=5090&partner=rssuserland
WIKIPEDIA http://fr.wikipedia.org/wiki/Marl%C3%A8ne_Dumas
Communiqué de Presse Centre Pompidou http://www.cnac-gp.fr/Pompidou/Communication.nsf/docs/IDA0E2AE64AD8EEFA8C1256AED00497C59/$File/mdumasangl.pdf

El ANATSUI

Fading cloth

Instalación

2005

El Anatsui (Anyako, Ghana, 1944) es uno de los escultores africanos mas aclamados mundialmente. Sus obras están hechas a partir de medios orgánicos como madera y arcilla, reflejando lo que es verdaderamente el pasado, presente y futuro de África. Recientemente ha recurrido a las instalaciones. Estudio escultura y realizó un postgrado en Educación del Arte en la Universidad de Ciencia y Tecnología de Kumasi (Ghana), es profesor de escultura en la Universidad de Nigeria (Nsukka), expuso en la Bienal de Venecia en 1990 donde recibió una Mención Honorable y fue incluido en la Bienal de Johannesburgo en 1995, así como en Bienal de Gwanju en Corea del Sur en el 2004. Su mas reciente exhibición individual Gawu ha recorrido Europa, Asia y Norte América; también fue incluido en la exhibición Africa Remix, la cual ha recorrido Dusseldorf, Londres y Paris y recorrerá Tokio y otras grandes ciudades durante el 2006-2007. Gawu es un trabajo emocional y opticamente asombroso, hecho a partir de esculturas de madera fabricadas con "sierras" que son una reconfiguración de la versión hecha para el Reino Unido en el 2004 titulada “Fowler Gawu” (que en el dialecto de Ghana es un neologismo que significa “cloaca de metal”) pero que incluye obras hechas en el 2007, como los cinco enormes e intrincados textiles fabricados con tapas de botellas dispuestas formando un mosaico.

El Anatsui http://www.octobergallery.co.uk/microsites/anatsui/
Fowler Museum http://www.fowler.ucla.edu/incEngine/?theme=fowler_main&content=information_manager&information_manager_id=65
EL ANATSUI http://www.elanatsui.com/index.htm
LES ARTS VISUELS http://www.articite.com/el.anatsui.htm
EL ANATSUI (PDF) http://www.artunivers.com/Fr/IMG/pdf/Gawu_2004_c_El_Anatsui.pdf
CONTEMPORARY AFRICAN ART GALLERY http://www.contempafricanart.com/artist.asp?artistid=ElAnatsui

WILLIAM KENTRIDGE

UBU and the truth comission

Instalación (dibujo y video)

1997

Kentridge (Johannesburgo, Sur África, 1955) es indudablemente uno de los artistas sur africanos más reconocidos alrededor del mundo. Trabaja con lo que es en esencia una técnica muy restringida (dibujos en tiza con limitados toques en colores pasteles) para producir trabajos de asombrosa magnitud. Sus obras han sido utilizadas como base en la producción de series animadas, conceptualmente también ha producido trabajos reflejando su propia vida y utilizado el ambiente de Johannesburgo, incluso sus videos han sido transformados en producciones teatrales colosales. Kentridge estudio política y Estudios Africanos en la Universidad de Witwatersrand y luego Bellas Artes en la Johannesburg Art Foundation. A principios de 1980 estudio mímica y teatro en la Ecole Jacques Lecoq de París, ese mismo año trabajo en series televisivas como director artístico. Ya para 1989 crea su primer trabajo animado: Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris, para la serie Drawings for Projection, para la cual utilizó una técnica que llego a ser el emblema de todo su trabajo: dibujos sucesivos en tiza siempre en el mismo papel, contrariamente al tipo de animación tradicional en el que cada movimiento era dibujado en un papel separado. Sus animaciones están relacionadas con asuntos políticos y sociales desde un punto personal y a veces autobiográfico. El contenido político y la técnica tan particular de Kentridge es la característica que lo ha convertido en uno de los mejores artistas de Sur África, pero esta técnica tan peculiar de representar a su país no consiste en mostrarlo como un lugar militante y opresivo como lo fue para los negros pero tampoco enfatiza el estado pintoresco de vida que disfrutaban los blancos durante el Apartheid (palabra africana que significó un sistema de separación étnica en Sur África desde 1948 que fue desmantelado en una serie de negociaciones desde 1990 a 1993 y que culminó en las elecciones democráticas de 1994. Según el Apatheid las personas eran clasificadas legalmente en diferentes grupos raciales: negros, blancos, gentes de color o raza mixta e indios), al contrario Kentridge presenta una ciudad en la que la dualidad humana está expuesta. En su serie de nueve videos cortos introduce dos personajes llamados Soho Eckstein y Felix Teitlebaum, quienes muestran los estragos políticos y emocionales reflejados en la vida de muchos sur africanos del momento. Dos de los últimos trabajos realizados por este artista se muestran en el Malmö Konsthall de Suecia hasta el 19 de Agosto del 2007, se trata de los ambiciosos proyectos Fragments for Georges Méliès & Journey to the Moon (2003) y Black Box / Chambre Noire (2005), dos videoinstalaciones llevadas a cabo mediante la peculiar técnica de animación del artista. En la primera de ellas, Kentridge nos presenta siete proyecciones en las que, a través de sencillos y originales trucos, rinde un poético homenaje a la creatividad de uno de los grandes pioneros del cine: Georges Méliès. Black Box / Chambre Noire, por su parte, versa sobre la ocupación alemana de Namibia, invitándonos a una reflexión en torno cuestiones como la memoria, la percepción histórica, la ética o la culpabilidad.

GREG KUCERA GALLERY http://www.gregkucera.com/kentridge.htm

DOCUMENTA 11 http://www.universes-in-universe.de/car/documenta/11/brau/s-kentridge.htm

WILLIAM KENTRIDGE http://www.marco.org.mx/exposiciones/expo_anteriores/expo_william_Kentdrige.html

DEUTSCHE GUGGENHEIM http://www.deutsche-guggenheim-berlin.de/e/ausstellungen-kentridge01.php

Quite the Opposite of Cartoons http://www.awn.com/mag/issue3.7/3.7pages/3.7moinskentridge.html

NEW MUSEUM http://www.newmuseum.org/more_exh_w_kentridge.php

NEW YORK ART http://nymag.com/arts/art/profiles/15946/

MAS DE ARTE.COM http://www.masdearte.com/item_exposiciones.cfm?noticiaid=8301

MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO DE CASTILLA Y LEON

http://www.musac.org.es/index.php?obr=140

5 FESTIVAL DE VIDEO/ARTE/ELECTRONICA http://www.ata.org.pe/pdf/libro/65-76.pdf

STEREOSCOPE http://home.att.net/~artarchives/tonekentridge.html

GEOPOÉTICAS http://blog.centroguerrero.org/wp-content/uploads/catalogo.pdf

FLUCTUAT.NET http://www.fluctuat.net/expos/chroniques/kentridge.htm

MACKINTOSH GALLERY http://www.glasgowschoolofart.ac.uk/%5Cdownloads%5Cpress_releases%5Ccurrent%5CWilliam%20Kentridge%20PR.pdf

ABDOULAYE KONATÉ

Juju Series, Croquis marcheurs

Algodón

2006

Konaté (Dire, Mali, 1953) recibió formación artística en el Instituto Superior de Arte en La Havana, Cuba durante los años 70, lo cual determinó el estilo de su pintura. Hoy en día es responsable del Conservatorio de Arte y Oficios de Bamako. Después de 1990, paralelamente a su pintura, creó instalaciones que tratan de representar lo africano o la imaginería ancestral (máscaras Bambari, ceremonias…) mezclándolas con imágenes de violencia generadas por el intento de supervivencia en el que se encuentra la población de Mali. Sus temas predilectos son las relaciones entre el patrimonio africano con la modernidad y los eventos políticos, así como las protestas estudiantiles que pusieron fin a una dictadura de más de veinte años. Konaté es capaz de instaurar una relación directa con su público, utilizando para sus instalaciones elementos claros como textiles y símbolos familiares, en el que el entorno cotidiano marca la religiosidad y la elegancia de las formas. Es un observador atento a la evolución de la sociedad, para la que deviene un narrador privilegiado, esquivando cualquier estereotipo político e ideológico. Para la exhibición Dak’Art 2006 presentó una obra titulada “Gris-Gris blancs”, una tapicería toda blanca clavada por centenares de módulos de lana igualmente blanca, una pieza monumental extraída de una serie sobre la temática de la defensa de los africanos. Se trata de una evocación sin adornos, sublime y sublimada de un África que implica las creencias de lo más legítimo, que refleja a la sociedad, sus fantasmas, sus dramas y esperanzas. Konaté recibió el premio Grand Prix Léopold Sédar Seghor de la primera Bienal de Dakar reservada exclusivamente al arte africano contemporáneo, por una de sus primeras obras tituladas “Hommage au chasseur mandé” clasificada como una de las mas bellas obras vistas en Dakar. También puede apreciarse la franqueza de sus creaciones, su instalación La Défense, La Naissance, la Mort et la Culture 1995 no esta hecha como forma de expresión artística o estética sino como medio de comunicar el poder mágico y casi universal de los objetos. Sin embargo, Konaté no se aleja jamás del arte pictórico, paralelamente a sus composiciones sobre tejidos y sus instalaciones, pinta acrílicos sobre los cuales encuentra los objetos procedentes de su patrimonio cultural africano. Este artista ocupa un lugar importante dentro del arte contemporáneo maliense y dentro de la escena internacional.

Dark'Art http://www.dakart.org/rubrique.php3?id_rubrique=212
L'Harmattam http://www.editions-harmattan.fr/index.asp?navig=catalogue&obj=article&no=1297
FONDATION JEAN PAUL BLACHERE http://www.fondationblachere.org/popup/konatepage/konatepage.html

MOHAMED EL BAZ

Bricoler l'incurable

Détails Niquer la mort / Love suprême

2004

El Baz (El Ksiba, Marruecos, 1967), es un artista multimedia que trabaja con medios mixtos, video arte e instalaciones audiovisuales. Desde el año 1993 ha estado trabajando en un proyecto experimental titulado Bricoler l’Incurable (2004), desde entonces cada nuevo trabajo forma parte del mismo y a los cuales adapta nuevos detalles que corresponden con nuevas situaciones y lugares. Combina historia y política dándole relevancia a la guerra civil de la Costa Ivory y a la guerra de Afganistan. Sus instalaciones a menudo combinan fotografía, video, y en ocasiones, objetos encontrados, cuestionando la noción entre fronteras y territorios. Sus obras han sido incluidas en exhibiciones colectivas importantes como: “le milieu du monde” (Centre d’art regional, Stète, Francia, 1993); “Artfocus” (Jerusalem, 1996); “Africus95” (Johannesburgo, 1995); “Orientations” (IV Bienal de Arte Contemporáneo, Istanbul, 1995); “Africa Remix” (Düsseldorf, Alemania), Hayward Gallery (Londres), Centre Georges Pompidou (Paris) y The Mori Art Museum (Tokyo); al mismo tiempo ha presentado exposiciones individuales como: “Bricoler l’incurable-Détails” (Centre d’arts plastiques, Saint-Fons, Francia, 1998) y “Les champs de la sculpture, Paris, 1999. Mohamed El Baz se inspira en la violencia simbólica y síquica que irriga el mundo, el racismo y determinismo social de la época contemporánea, superponiendo así diferentes concepciones y representaciones del ser humano. En la instalación Bricoler l’incurable. Détails. Niquer la mort/Love suprême, el artista confronta su universo íntimo y personal en una representación mediática y conflictiva del mundo. Las fotografías son emblemas de nuestro mundo, las cuales suspendidas y alineadas con banderas, coexisten con otras fotografías que son retratos de la esfera privada del artista (retratos femeninos y autorretratos, escudos de Marruecos, vasos de cerveza y muñecas). Cada una de sus obras puede considerarse acumulaciones de formas y de historias, acervos artísticos que contienen la estructura y el esqueleto para sus exposiciones. Los detalles constituyen permutaciones programadas y los elementos extraídos del campo social se convierten en nuevos materiales a través de una explotación poética exorbitante. El fundamento de su trabajo es lo cotidiano, lo autobiográfico y lo lúdico a partir de lo cual Mohamed transgrede las fronteras y las categorías y para lo cual utiliza el mismo espacio de exposición como lugar de trabajo, insistiendo de esta manera en la familiaridad de la experiencia real. Mohamed El Baz es un nómada que capta y pone en evidencia la complejidad de las relaciones entre los hombres y la fragilidad de la práctica artística; utiliza la mirada del espectador como prioridad para la selección, observación, análisis y descripción de su trabajo. Bricoler l’incurable. Détails. Niquer la mort/Love suprême, se compone de un "scanachrome" gigante sobre una lona que reproduce el retrato en negativo (en negro y blanco) de un hombre, 12 mesas sobre las cuales están dispuestas banderas rojas y monitores, sobre cada bandera esta impresa una palabra a manera de llamado o comentario y los monitores difunden narraciones cuyos ecos obligan al publico a manipular sus cuerpos (agacharse, escuchar, agarrar, mirar…).

AINSI DE SUITE 2 http://crac.lr.free.fr/expos/1998/ainsidesuite2/index.html

MOHAMED EL BAZ http://m.elbaz.free.fr/

AFRICA REMIX http://www.artfacts.net/index.php/pageType/exhibitionInfo/exhibition/49328

L' APPARTAMENT 22 http://www.appartement22.com/spip.php?article92

WORKSHOP WITH MOHAMED EL BAZ http://www.youtube.com/watch?v=XG12O6b9gGk

AFRICULTURES http://www.africultures.com/index.asp?menu=affiche_film&no=1936

SHILPA GUPTA

Your Kidney Supermarket
Video e Instalación Interactiva
Medios Mixtos
2002
Gupta (Mumbai, India, 1976) estudió escultura en la Sir J.J. School of Art de esa ciudad. Esta artista ha creado su obra mediante websites interactivos, videos, entornos galerísticos y performances, con el objetivo de ensayar y analizar en forma subversiva problemáticas como la cultura del consumo, la explotación laboral, el militarismo y las violaciones de los derechos humanos. Posee una amplia trayectoria expositiva que incluye muestras recientes, como Indian Summer en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, Edge of Desire en la Asia Society de Nueva York y Blessed Bandwidth.net, un encargo de net art para la Tate Online de Londres. Este ultimo trabajo habla de política, intimidad, diferencias culturales, amor, tradición, políticas de género, ideologías, capitalismo global y el impacto que todo esto tiene sobre el propio individuo como extensión natural del mundo de la artista. Así es como Gupta explora religión, globalización y las dinámicas políticas y culturales complejas de Internet. Xeno-bio-lab.com, 2003, es un trabajo sobre las similitudes en vez de las diferencias que existen entre las diferentes religiones, incluyendo el islamismo, el sikhismo, el budismo, el cristianismo y el hinduísmo. Al interactuar, los usuarios de este sitio deben conectarse con una secta religiosa en particular y luego elegir un templo para rezar, para esto la artista ha fotografiado los templos y lugares sagrados mas importantes de Mumbai. Entre sus últimos proyectos están los presentados en la Bienal de Sydney 2006 y en la Bienal de Liverpool 2006.

BLESSED BANDWIDTH.NET http://www.blessed-bandwidth.net/

XENO-BIO-LAB.COM http://www.xeno-bio-lab.com/
TATE ONLINE: SHILPA GUPTA http://www.tate.org.uk/netart/blessedbandwidth/heidireitmaier.htm

SHILPA GUPTA http://transition.turbulence.org/blog/2006/06/05/shilpa-gupta
BIENAL DE LIVERPOOL 2006 http://2006.biennial.com/content/Programme/ArtistDirectory/article_35_13.aspx

SAFFRON ART.COM http://www.saffronart.com/articles.asp?mainid=4§ionid=17&articleid=212

EXPERIMENTAL MAGAZINE http://www.experimental.ro/forum/index.php?forum_id=2&thread_id=1012

SHIRIN NESHAT

Allegiance with Wakefulness

Fotografía en blanco y negro

1993

Neshat (Qazvin, Irán, 1957), mayormente conocida por su trabajo con cine, video y fotografía. En su condición de artista procedente de la cultura islámica alude a la vida de las mujeres en Irán y el fenómeno de tener que vivir detrás del velo de un chador negro. Este tema lo aborda a partir de fotografías en blanco y negro de algunas partes del cuerpo, bien sea rostros, pies o manos descubiertas, ante las cuales aparece una rama de fuego o flores, y sobre las cuales se inscriben textos de escritoras iraníes, las cuales son metáforas del deseo carnal, sensualidad, vergüenza y sexualidad. Su serie fotográfica Women of Allah (Mujeres de Alá, 1993-1997) es una reflexión sobre los cambios sociales y políticos que ha originado la revolución islámica en la vida de las mujeres, así como la exploración acerca de la receptividad de la nueva ideología. Así mismo ha dirigido varios videos Anchorage (1996), y otros projectados en paredes opuestas: Shadow under the Web (1997), Turbulent (1998), Rapture (1999) y Soliloquy (1999). En 1999 ganó el premio internacional de la XLVIII Bienal de Venecia por su video Turbulent y Rapture, un projecto que integró casi 250 extras y producido por la Galería Jérôme de Noirmont que tuvo gran reconocimiento publico luego de ser presentado en el Instituto de Arte de Chicago en el mismo año. Con Rapture Neshat comenzó sus trabajos fotográficos con la intención de crear shock estético, poético y emocional, que junto a Fervor (presentado en la Bienal de Whitney en el año 2000) y Turbulent constituyen la trilogía sobre identidad humana caracterizada por diferencias de género y cultura, lo que situa este trabajo en el corazón de las preocupaciones actuales en mundo artísico.

ENTREVISTA CON ATHUR DANTO Y SHIRIN NESHAT http://www.bombsite.com/neshat/neshat.html

TIME EUROPE http://www.time.com/time/europe/photoessays/neshat/

THE IRANIAN http://www.iranian.com/Arts/Dec97/Neshat/

SHIRIN NESHAT: ENTRE DOS MUNDOS http://www.juventudrebelde.cu/2006/abril_junio/abril-12/cultura_shirin.html

GUGGENHEIM MUSEUM http://www.guggenheim.org/exhibitions/past_exhibitions/moving_pictures/highlights_8a.html

COMTEMPORARY ART FROM THE ISLAMIC WORLD http://www.universes-in-universe.de/islam/eng/2005/026/index.html